La bauhaus y sus influencia en el Diseño del Siglo XX

Eileen Gray

Algunos de sus diseños más representativos en Mobiliario

En cualquier ambiente, el sofa 418, queda impresionante

El dormitorio principal de la Villa 1027

La villa en la  costa azul de Eileen Gray - Living Corriere,despues de la restauración, al fondo uno de los 12 Murales de Le Corbusier

Otros diseños de Eileen Gray

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Eileen perfeccionó la técnica de los lacados en París junto al maestro japonés Seizo Sugawara, creando piezas únicas entre las que predominan los biombos estilo Art Déco, hechas a mano con tonos oscuros y motivos orientales.

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En el campo de los tejidos creó alfombras similares a cuadros abstractos, donde se ve una gran influencia de la Bauhaus.

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El largo proceso de Eileen, moviéndose entre distintos oficios artesanos, culmina con su introducción en el mundo de la arquitectura.

Aunque realizó muchos diseños arquitectónicos a nivel de proyecto, fueron tres sus obras construidas:

Apartamento para Jean Badovici, 1929-31 en París, donde Eileen realiza el diseño de interiores creando un apartamento-estudio en una planta de 40 m2, experimenta con mecanismos móviles como biombos para crear espacios más flexibles y dispone espejos para dar amplitud, además de crear piezas de mobiliario polivalentes.

A principios de 1930 Tempe a Pailla, vivienda dividida en dos partes: pública y privada, icono de la arquitectura modernista donde la luz es muy protagonista y donde aparecen más piezas versátiles propias de Gray.

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 Apartamento de Gray en Rue de Lota                  Tempe a Pailla

Pero sin duda la más importante es Villa E-1027 en 1929, a orillas del mar al sur de Francia,en Cap Martin, una zona llamada Roquebrune, en esta vivienda puede verse el movimiento moderno y el uso de los principios fundamentales de Le Corbusier. Crea una vivienda sencilla donde los espacios muertos se aprovechan con muebles empotrados y donde cada pieza de mobiliario se integra en la arquitectura. Le Corbusier, gran amigo de Jean Badovici pasaba mucho tiendo en la casa, y acabó dibujando varios murales en contra de la voluntad de Gray.

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Eileen Gray es, sin duda, uno de los grandes nombres del diseño, aunque quizá desconocida para muchos. En Haus & Co no dejamos de aprender e inspirarnos en su carácter y su maravilloso trabajo.

To create, one must first question everything“. Eileen Gray

Si queréis conocer más profundamente la figura de Eileen Gray existen varios documentales sobre ella de visión recomendada.

El Precio (desconocido) del Deseo. Eileen Gray

 ¿Que detrás de cada gran hombre hay una gran mujer?  ¿Y por qué no delante? ó mejor aún, ¿por qué no a su lado?

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Siempre me ha resultado curioso las pocas mujeres arquitectos conocidas que hay. Si nos preguntan por arquitectos prestigiosos (sobre todo a los que estamos metidos en este mundillo “extraño”) se nos vendrán a la cabeza un montón de nombres, pero casi todos ellos masculinos. De hecho, antes del siglo XX solo se conoce a una mujer arquitecto, una monja que trabajó en Roma en el siglo XVII, Plautilla Bricci.

En el siglo XX, con toda esa “revolución” en cuanto a integración social (revolución hipotética claro… si no recordemos el papel de la mujer americana de la post-guerra), fue posible que mujeres arquitectos desarrollaran una importante pero prácticamente desconocida obra. Y este desconocimiento de su trabajo es en la mayoría de los casos la consecuencia de su eclipsamiento por parte de sus compañeros o mentores hombres, que se han adjudicado toda la gloria y el reconocimiento de un trabajo excepcional, dejándolas en la sombra y el anonimato.

Lina Bo Bardi

Lina Bo Bardi

Marion Mahony Griffin

Marion Mahony Griffin

Jane Drew

Jane Drew

Anne Tyng

Anne Tyng

Norma Merrick Sklarek

Norma Merrick Sklarek

Hace un tiempo, alguien que conoce muy bien mis “debilidades arquitectónico-artísticas” me descubrió un libro: Heroínas del espacio. Mujeres arquitectos en el Movimiento Moderno.Arquitectura, años 20 y vanguardias artísticas, mujeres  interesantes y vidas ajenas… (vamos, que dio en el clavo conmigo). El libro trata la apasionante vida de cuatro arquitectas en el Movimiento Moderno, en un momento histórico donde a las mujeres todavía se les cerraban muchas puertas y solo se les permitía moverse en el terreno de lo doméstico y la artesanía.

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Si os hablo de Eileen Gray puede que la conozcáis, más por sus diseños de mobiliario que por su obra arquitectónica. Si os digo Lily Reich, Grete Schütte-Lihotzky o Charlotte Perriand (de quien dicen que trajo la modernidad al diseño de mobiliario e interiores al estudio de los Le Corbusier), seguramente ni os suenen, aunque sean sobradamente conocidas las figuras masculinas a las que estuvieron ligadas sus carreras (Mies van der Rohe, Ernst May y Le Corbusier).

 

Eileen Gray

Eileen Gray

Lilly Reich

Lilly Reich

 Charlotte Perriand

Charlotte Perriand

Grete Schütte-Lihotzky

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Las cuatro tienen una obra arquitectónica lo suficientemente valiosa y compleja como para ser reconocidas. Las cuatro lo tuvieron muy difícil al comenzar sus carreras en un momento donde, para que nos hagamos una idea, incluso en la “moderna” Bahuaus había talleres específicos para el género femenino y se seguía una política interna completamente convencional, tradicionalista y retrógrada (respecto a nuestros días) con las mujeres.

Y como hemos visto, las cuatro “heroínas” del libro no son las únicas. Hay otros muchos ejemplos de mujeres que han quedado en la sombra mientras que sus “acompañantes” masculinos se llevaban todos los honores. Que no es que ellos no los merecieran, pero quizás estos honores deberían haber sido compartidos.

 

Las mujeres en la Bauhaus

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La escuela de la Bauhaus

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de Diseño, Arte y Arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en Alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la idea socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: "desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo" (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

Sinedo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

"La Escuela Bauhaus" se asentó en tres ciudades:
. 1919-1925: Weimar
. 1925-1932: Dessau
. 1932-1934: Berlín
Estuvo manejada por tres directores:
. 1919-1927: Walter Gropius
. 1927-1930: Hannes Meyer
. 1930-1933: Ludwig Mies van der Rohe

Unos de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación. "La forma sigue a la función"

El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras.

La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la I Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. El quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el Museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predomnaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produció un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a dudas fue uno de los más importantes en este sector.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, el militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de la izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser sumamente subversiva.

En el momento de su fundación los objetos de la escuela, definidos por Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

En ésta fase se implantó en la escuela el llamado "vorkurs" o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos s hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.

El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro Stuttgart.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.

En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto par esculpirla en la tela con rasgos abstractos.

Klee se retiró en el año 1931.

Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños, por lo tanto, también de educadores del diseño.

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.

A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.

De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe "Vías del estudio de la naturaleza" (Wege des Naturstudiums, 1923) y "Cuadernos de bocetos pedagógicos" (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación de Arte de Jena la conferencia El Arte Moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica "Punto y línea sobre el plano" (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el nº 9 de la serie de la Bauhaus.

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.

En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximádamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada I Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas "oficiales", cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954-1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

De izquierda a derecha: Le Corbusier, su mujer Yvonne Gallis y Jean Badovici en la Villa E 1027

(fotografía de Eileen Gray)

Le Corbusier and his wife Yvonne Gallis, the Ro Jean Badovici at Villa E-1027, photograph by Eileen Gray

Marisa Damia, amante de Eileen Gray

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En resumen, The Price of Desire cuenta la controvertida historia de cómo la importante contribución de Eileen Gray a la arquitectura y el diseño del siglo XX quedó eclipsada prácticamente por completo por el ego de Le Corbusier, quien desfiguró el interior de la E 1027 pintando murales de contenido sexual sobre sus paredes . Fueron ocho grandes murales en total, tanto dentro como fuera de la casa. Según partidarios de Gray, se trató de un acto declarado y deliberado de Le Corbusier para destruir el trabajo de su rival, pero debido a la gran fama del arquitecto, los murales han sido preservados como grandes obras de arte (incluso más importantes que la propia casa que las alberga)

 Villa E 1027

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Dormitorio de la hermana de la diseñadora en la Villa 1027

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Le Corbusier pintando uno de los muchos murales que realizó para la Villa 1027

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Otros de los murales, casi todos de temas eróticos, y que parece ser no le agradaban a Eileen.

La relación sentimental de Gray con Jean Badovici condenó su legado arquitectónico a un siglode abandono y de reconocimiento tardío.Mientras que Le Corbusier se convirtió en el más famoso e influyente de los primeros modernistas, la carrera de Gray fue olvidada en gran parte hasta después de su muerte en 1976 .

Biografía de la diseñadora:

Biografía

Kathleen Eileen Moray nace en la casa familiar (Brownswood), en Enniscorthy (Condado de Wexford), Irlanda, el 9 de agosto de 1878, a pesar de que muchas publicaciones sitúan su nacimiento en 1879, cosa que a ella no le importaba. Su familia le cambió el nombre por el de Gray en 1893, después de que su madre, Lady Eveleen Pounden, heredase un título de nobleza de un tío suyo escocés, convirtiéndose en la baronesa Gray. Siendo la más joven de cinco hermanos, Eileen pasó su infancia entre las diversas casas familiares en Irlanda y la residencia de Londres. Heredó de su madre el interés y el buen gusto por la decoración, así como el espíritu de aventura de su padre, el pintor James Maclaren Smith, al que acompañó en varios viajes a Italia o Alemania.

Al igual que muchas mujeres de su clase social, Gray recibió una educación formal; y aparte de los periodos intermitentes de estudio en un internado en Dresden, Alemania, fue educada desde el principio por institutrices. Hizo su primera visita a París en 1900, al acompañar a su madre a la Exposición Universal. Al año siguiente, 1901, se matriculó en dibujo en la Slade School of Fine Arts de Londres, y durante las visitas que realizaba al Museo Victoria y Alberto desarrolló su admiración por los trabajos asiáticos de la laca. Este periodo de aprendizaje le sirvió para independizarse de su familia. Al cumplir los 10 años, su hermana Ethel se casó con Henry Tufnell, hijo del Lord Lindsay, quién en 1895, transformó el dominio familiar de Brownswood en una mansión de estilo isabelino; obra que fue muy aclamada por la prensa. Para Eileen en cambio, supuso la destrucción de su casa de la infancia y un hecho que terminaría por separarla de su familia.

En 1902 se estableció temporalmente en París para continuar sus estudios de dibujo en la École Colarossi, junto con sus amigas Kathleen Bruce y Jessie Gavin. Las tres ocuparon una pensión en la rue Bara 7, cerca de Montparnasse. Pronto fueron transferidas a la Académie Julian en la rue du Dragon, donde la enseñanza iba directamente enfocada a la preparación de los estudiantes para ingresar en la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes). Durante este tiempo Gray también realizó cursos de verano enCaudebec-en-Caux (Normandía), a cargo de la pintora neozelandesa Frances Hodgkin.

En 1905 regresa a Londres a causa de la enfermedad de su madre y continúa sus estudios en la misma Slade School of Fine Arts y no es hasta 1906 que se estableció definitivamente en París, en un apartamento de la rue Bonaparte (cerca de la iglesia de Saint-Germain des Prés), que ocupó el resto de su vida. Durante el mismo año comenzaran las relaciones entre ella y el maestro de la laca japonés, Seizo Sougarawa.

Entre 1909 y 1912 visita diversos lugares, primero el norte de África donde aprende todo acerca de las artistas marroquíes en el arte del tejido, sobre todo de la lana y la creación de alfombras. Más tarde viajó a América tomando el tren de Nueva York a San Francisco junto a su hermana Thora y sus amigas Gaby Bloch y Florence Gardiner, haciendo escala en el Gran Cañón y las Montañas Rocosas, Monterey, California y Seattle, lugares de obligatoria visita para Gray, con los quedó fascinada.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Eileen pasa a ser conductora de ambulancias en París durante los primeros meses de 1915, pero regresa a Londres llevándose consigo a Sougarawa y abriendo un taller en Chelsea, para producir su mobiliario de diseño.

Tienda de decoración de Gray.

En 1913, celebró su primera exposición, mostrando algunos paneles decorativos en el Salon des Artistes Décorateurs. Pero no fue hasta 1922 cuando, tras ganarse la reputación como la primera artista europea del siglo XX en adaptar las tradicionales técnicas asiáticas sobre el uso de la laca en el diseño, que Gray decidió abrir una tienda de decoración, la galería Jéan Désert, donde mostró sus alfombras y diseños de mobiliario.

En 1923 Eileen fue invitada a exponer una habitación completamente amueblada por ella misma en el 14º Salon des artistes décorateurs. Allí presentó su proyecto de una "Chambre-boudoir para Monte-Carlo".

En 1932 comenzó a proyectar su propia casa de veraneo a las afueras de Menton, cerca de Castellar, Francia, que estuvo terminada en 1934, y tras lo cual Gray empleó mucho de su tiempo en el sur de Francia. Alquiló un apartamento con vistas al puerto de Saint-Tropez como refugio de los días de verano y las crecientes muchedumbres de la Côte-d'Azur. A pesar del aumento de popularidad de la ciudad, continuó visitando la zona en numerosas ocasiones, construyendo su última casa, Lóu Pérou (1954-61), entre los viñedos de Chapelle-Ste-Anne, aunque París siguió siendo su principal residencia.

Forzada a abandonar la costa francesa y expatriada durante la Segunda Guerra Mundial, huye a Lourmarin en la región de Vaucluse. Allí diseña una casa para Badovici en un terreno adquirido en Casablanca. Mientras tanto, su hogar de Menton, Tempe a Pailla, es saqueado y medio destruido por las tropas alemanas y los constantes bombardeos de la zona. Pero en 1945 Menton es liberado y Gray vuelve a Castellar y al encontrar su casa en penosas condiciones regresa a París.

A las 8:30 de la mañana del 31 de octubre de 1976 Eileen Gray muere en París a los 98 años; sus cenizas son enterradas en el cementerio de Père Lachaise, París el 5 de noviembre del mismo año.

Influencias

La emigrante anglo-irlandesa empezó a experimentar directamente con la arquitectura desde 1926, cuando se convirtió en colaboradora del arquitecto rumano Jean Badovici (1893-1956), quien le confirió todo su conocimiento en la materia. Únicamente nueve de las obras de Gray y renovaciones de interiores se llevaron a cabo, y cuatro de ellas fueron atribuidas a Badovici, dada la semejanza de estilos, y aún el trabajo de Gray continúa inspirando a arquitectos y diseñadores.

Más de 45 proyectos se encontraron en su archivo, muchos de los cuales representados sólo por pequeños y simples esbozos y/o permanecen formalmente sin resolver. No dejó testimonio acerca de sus reuniones con clientes; sin duda, hasta el final de su vida, Gray negó que hubiera tenido cliente alguno. Por otra parte, para sus diseños más conocidos, dos casa que proyectó para Badovici y para ella respectivamente, Gray hizo elaborar presentaciones aportando además numerosas fotografías. Mostró sus intenciones en un diálogo con Badovici que publicó en un artículo de L'Architecture Vivante, referente a la E.1027, la casa de veraneo de Roquebrune, Francia, que construyó junto con Badovici. Ésta, junto con su mobiliario, se exhibieron en París en el Salon d'Automne y elUnion des Artistes Modernes (UAM), grupo de diseñadores de la que ella fue miembro fundadora. Le Corbusier fue un ferviente admirador de la arquitectura de Gray.

Debido a su extremo pudor, Gray permaneció algo alejada de sus contemporáneos en las artes decorativas y arquitectura. En la industria del diseño parisina fue bien acogida por su producción de artículos modernos y llamativos para una clientela perteneciente a la elite social, dedicada tanto a las demandas individuales de cantidades muy limitadas, así como reproducciones para producción masiva.

En la Exposición Universal de París en 1900 conoció el trabajo de Mackintosh, uno de los más influyentes del Art Nouveau y propulsor del Arts and Crafts y comenzó a interesarse por las artes decorativas. A comienzos de siglo XX el mundo de los decoradores y diseñadores no estaba tan organizado como comenzó a estarlo años después. Aún y todo el interés por las artes decorativas hizo que se difundiese rápidamente. En Inglaterra eran conocidos los concursos de la revista Studio que se mantenían en 1902 únicamente con trabajos de diseño gráfico y de arte decorativo. En Viena, los líderes del diseño, Josef Hoffmann y Koloman Moser fundaron la Wiener Werkstätte (1903). Ambos eventos captaron la atención de Eileen. Al inicio de sus trabajos con la laca eran visibles las influencias de pinturas de Gustav Klimt y Otto Wagner. En 1907, Hermann Muthesius y un grupo de arquitectos fundaron la Werkbund Alemana en Berlín, lo que también influenció su trabajo. En 1901 se fundó la Sociedad de Artistas Decoradores en la ciudad deParís que incluía algunos diseñadores y decoradores conocidos, como Hector Guimard, Eugène Grasset y Sarah Bernhardt. En 1903 se abrió un Salón en un sótano del Petit Palais: el primer Salon d´Automne, cuyo presidente era Frantz Jourdaim, incluía cientos de exposiciones sobre las artes decorativas. Los eventos fueron bien recibidos por los críticos del momento como Louis Vauxcelles y Claude Roger-Marx. Pronto se convirtieron en los principales eventos sociales del mundo del arte. Desde 1906 la Sociedad de Artistas Decoradores mostraban su trabajo en una exposición anual. Gray se convirtió en una visitante regular . En 1910 la Werkstätte de Munich fue a París, realizando exposiciones en el Salón d´Autonome, que incluía algunos diseñadores Alemanes como Bruno Paul,Richard Riemerschmid y Paul Wenz. A Gray le atraían la simplicidad de las piezas de lineas sobrias y muy económicas del grupo Alemán, al contrario que el gusto Francés que era mucho más ornamental. Este interés estaba ligado al pensamiento del movimientoArts and Crafts de su país de origen. Aunque ella quería producir mobiliario atractivo para un uso standard, se veía obligada a seguir las tendencias de moda y empezar a diseñar para la élite, que le atraían materiales como la laca. Dos movimientos importantes que influyeron en la formación de Eileen como arquitecta fueron De Stijl y la Bauhaus.

Era tiempo de innovaciones extraordinarias. Muchos estilos nacieron antes de la guerra, pero comenzaron a florecer a comienzos de los años 1920, como el Fauvismo, Futurismo, Expresionismo, Constructivismo y Cubismo, que comenzaron a influir en todas las formas de arte y diseño. París volvió a estar de moda, y con este aumento de prosperidad vino el deseo de un cambio en el estilo de vida. La gente que podía permitírselo se cambiaba de casa y contrataban decoradores, que influenciados por los estilos de la época transformaban las habitaciones en tocadores Egipcios, haciendo que pareciesen versiones Europeas de Las mil y una noches. Este nuevo estilo que nació,y que era la suma de varias tendencias, se denominó más tarde como Art Deco.

Obras Representativas

En Arquitectura

No se dispone de una lista completa de sus obras ya que muchos de los modelos y documentación gráfica fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial. Aquellos de los que se tiene constancia son:

  • Apartamento en la rue de Lota, (1919-24), París

  • Casa de vacaciones, (1921-24), Samois-sur-Seine

  • Jéan desert, (1922), París

  • Casa basada en la Villa Moissi de Adolf Loos (proyecto), (1923), sin especificar

  • Casa para un ingeniero proyecto, (1926)

  • Casa de Battachon/Renaudin, (1926-32), Vézelay

  • Casa de Badovici, (1927-31), Vézelay

  • Casa para un artista, (1927-32), Vézelay

  • Zervos House, (1927-31), Vézelay

  • E.1027 (con Badovici), (1926-29), Roquebrune/Cap Martin, Alpes Marítimos

  • Apartamento de Gray, (1930), París

  • Apartamento de Badovici, (1929-31), París

  • Tempe à Pailla, (1931-34), Castellar (Alpes Marítimos)

  • Casa para dos escultores (proyecto), (1933-34), sin especificar

  • Casa en el Boulevard des Madeleines (proyecto), (1930), Niza

  • Centro de vacaciones y ocio (proyecto), (1936-37), sin especificar

  • Pavellón de Exposiciones (proyecto), (1920-1937?), París

  • Casa de playa (proyecto), (1940), Casablanca

  • Garaje en las Tullerías (proyecto), (1940), París

  • Lou Pérou, (1954-61), Saint-Tropez

La Casa E. 1027

La Casa "E-1027" que diseñó y construyó Gray, en 1929, a orillas del mar, al sur de Francia, cerca de Mónaco, como residencia de verano para compartir con Jean Badovici. El nombre de la casa, E-1027, se trata de un código numérico resultante de combinar sus iniciales según el orden de las letras del alfabeto; "E" para Eilee

Apartamento Estudio para Jean Badovici

Eileen Gray diseñó los interiores para el apartamento de Badovici, situado en París. Todo el proyecto pretendía responder a una necesidad de optimizar el espacio y regularizar la planta trapezoidal de unos 40 m², para convertirlo en un ambiente compatible con el trabajo y el ocio. Se redujeron al máximo los espacios de servicio, y se dispusieron espejos para dar amplitud y el uso de muebles con varios usos, dando la oportunidad a Gray de experimentar con mecanismos móviles, cortinas metálicas correderas, biombos y escaleras plegables.

Tempe a Pailla

A finales de 1920 y principios de 1930 , Gray diseñó y decoró un nuevo hogar para ella, "Tempe à Pailla". Este es otro icono de la arquitectura modernista , un espacio multiusos diseñado para poder vivir y trabajar. Gray trabajó sobre estructuras existentes de formas largas y estrechas, con muchas cubiertas con terrazas. Era muy social, y aprovechó el espacio para el entretenimiento y disfrute de sus huéspedes. Sin embargo, también quería disfrutar, esto se puede ver en los planos y en la manera de disponer las habitaciones. La casa se puede dividir en dos partes, una pública y otra privada. Gray trató el espacio interior y exterior de la misma manera con el uso las mismas baldosas y los mismos materiales dentro y fuera . Le gustaba aprovechar la luz del sol, de hecho, diseñó cada habitación con respecto a como recibía la luz, e incluso incorporó una forma en la que podía controlar la luz en algunas habitaciones. Utilizó mobiliario empotrado para aprovechar el espacio al máximo y generar una sensación de espacio diáfano. Además los muebles fueron diseñados para conseguir la mayor funcionalidad de manera que separaban y distinguían espacios, o se plegaban para liberarlo. En esta etapa, Gray había conseguido un mueble funcional, versátil y económico despojado de ornamentación.

En diseño

Su trabajo combinó laca y maderas raras, abstracción geométrica y adornos japoneses . En Londres conoció a su primer maestro en el arte del lacado; Charles, quién luego le presentaría a su verdadero maestro, el japonés Sougarawa que residía en París al igual que ella. La creación de piezas tan sumamente bellas y trabajadas atrajo la atención de Jacques Doucet, un colecccionista de arte que comisionó algunas piezas y ella solo firmó y fechó las creaciones. Sus diseños interiores generaron mucha alabanza y acuerdo en la prensa.

  • Lámpara satélite, (1919), Apartamento de la rue Bonaparte París

  • Canapé pirogue (sillón "piragua" en español), (1920), Apartamento de la rue de Lota París

  • Biombo block screen (1925)

  • Transat Chair, (1927-29), E.1027

  • Mesita de noche, (1927-29), E.1027

  • Espejo satélite, (1926-29), E.1027

  • Pantalla metálica perforada, (1930-31), Apartamento de Badovici París

  • Taburete, (1934)

  • Mesa de café, (1932), Tempe à Pailla Castellar (Alpes Marítimos)

  • Armario ampliable, (1932), Tempe à Pailla Castellar (Alpes Marítimos)

  • Mesa de café, (1932), Tempe à Pailla Castellar (Alpes Marítimos)

Mobiliario para el Lota Apartment

El apartamento Lota pertenecía a Madame Mathieu-Lévy, situado en París, era uno de los mejores y más sensacionales ejemplos de decoración francesa de los años 1920. El equipamiento completo le llevó a Eileen alrededor de 4 años. Lo dotó de paneles lacados en negro y plata, ocultando las molduras originales, e incluyendo piezas de mobiliario tan singulares como la cama-tumbona con forma de canoa, que combinaba las texturas de laca de color marrón con las de plata del interior y, sostenido por 12 pequeños arcos, el sofá Lota con exuberantes cojines y flancos lacados en varios colores. Además incorporó una serie de novedosos paneles rectangulares colocados a modo de aparejo de ladrillos, que creaban un cambio de percepción espacial y rompía con la excesiva longitud del pasillo. Entre los diseños de mobiliario para este apartamento destaca la silla "Bibendum", una de las más reconocidas del siglo XX. Está inspirada en la mascota que Michelín creó para promocionar sus neumáticos. Estaba compuesta por una estructura tubular de acero cromado, con el asiento y el respaldo tapizado de piel en color blanco. Era relativamente grande ; con una profundidad de aproximadamente 840 mm y una altura de 740 mm. Gracias al éxito que tuvo, pudo financiarse la galería que abrió en 1922 junto a Jean Badovici.

Mobiliario para la galería de muebles Jean Désert

Fueron realizados entre el año 1922 y 1930. Estando en París, después de regresar de Londres con Sugawara, Gray alquiló un local y junto a Jean Badovici, arquitecto y crítico, diseñaron una fachada innovadora y moderna en negro y blanco a la que llamaronJean Desert Gallery. En este espacio, expuso y vendió sus piezas. Propuso diferentes trabajos en los que buscaba formas simples y materiales más baratos destinados a un público con una capacidad adquisitiva menos elevada que la élite para la cual trabajaba. Intentaba que fueran objetos que se pudieran producir en serie y que cambiasen el estilo de vida de la sociedad, fusionando el valor artístico con el funcionalismo.

Una Acuarela de la casa 1027,realizado y firmado por la diseñadora


* ORIGINAL SIN ESTA LINEA * ---------------------