Diseñador: Harry Bertoia.

Biografía y Proyectos

Granero donde creaba sus obras Bertoia

Biografia

Cranbrook Academy of Art 1937-1943

"Probablemente el mejor instructor que he tenido. Maravilloso estar con el; tranquilo, inspirado ".
- Robert Marineros

"Es lamentable que los días no son el doble de tiempo, ya que también es un pintor y grabador en madera realizado."
- Informe anual sobre Harry como estudiante, Cranbrook, 1940

Infancia


Iglesia de San Lorenzo - Friuli, Italia

Arieto, Bertoia nació el 10 de marzo de 1915, en el pequeño pueblo de San Lorenzo, Friuli, Italia, a unas 50 millas al norte de Venecia y 70 millas al sur de Austria. Tenía un hermano, Oreste, y una hermana, Ave. Otra hermana murió a los dieciocho meses de edad; que fue objeto de una de sus primeras pinturas. Incluso cuando era joven, las novias locales tendrían que preguntarle a diseñar sus patrones de bordado ropa de día de la boda, como su talento ya fueron reconocidos. Asistió a la escuela secundaria en Arzene, Carsara, hasta los 15 años Luego acompañó a su padre a Detroit para visitar a su hermano Oreste. Al entrar en América del Norte, su nombre de nacimiento Arri, que a menudo se transformó en el apodo Arieto ("pequeño Harry" en italiano), se alteró al americanizado "Harry." Bertoia quedó en Michigan para asistir a Cass Technical High School, una escuela pública con un programa especial para los estudiantes talentosos en las artes y las ciencias. Más tarde, una beca de un año para la Escuela de Arte de la Sociedad de Artes de Detroit y Oficios le permitió estudiar pintura y dibujo. Entró y se coloca en muchos concursos de arte locales.

Cranbrook Academy of Art 1937-1943

"Probablemente el mejor instructor que he tenido. Maravilloso estar con; tranquila, inspirado ".
- Robert Marineros

"Es lamentable que los días no son el doble de tiempo, ya que también es un pintor y grabador en madera realizado."
- Informe anual sobre Harry como estudiante, Cranbrook, 1940

En el otoño de 1937, otra beca le daba derecho a convertirse en un estudiante, de nuevo de la pintura y el dibujo, en la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan. Cranbrook fue, en su momento, un crisol de culturas increíble de la creatividad atrayendo a muchos artistas y diseñadores famosos: Carl Milles, residente escultor, Maija Grotell, residente ceramistas, Walter Gropius, visitando Bauhaus-arquitecto, y otros. Los estudiantes no recibieron un grado; sino que descubrieron su pasión. Esta residencia en Cranbrook fue un punto de inflexión trascendental en la vida y la carrera de Harry.

En 1939, Eliel Saarinen, director de la comunidad artística, pidió Bertoia, de 24 años, para permanecer en la academia para volver a abrir la tienda de metalurgia. Con la necesidad de tiempos de guerra para los metales, Bertoia se vio obligado a concentrarse en la joyería, que no utilizó la mayor cantidad de metal. Compartió la joyería con sus amigos en Cranbrook e hizo anillos de boda para Ray Eames y la esposa de Edmund Bacon Ruth. Las formas orgánicas y los detalles finos de las joyas más tarde se convirtieron en las formas de la escultura temprana. Formó parte del "arte de llevar" el movimiento.

Harry también siguió una actividad después de la hora que había comenzado como un estudiante, la experimentación y la producción de grabados y dibujos más tarde conocido como monotipos one-of-a-kind. Los monotipos de la década de 1940 se consideran algunas de sus gráficos más imaginativas.


Bertoia boda - 1943

Sus compañeros en Cranbrook - Florencia Shust (Knoll), Charles Eames y Eero Saarinen - fueron influyentes en la vida de Bertoia en años posteriores. En 1940, Harry conoció a Brigitta Valentiner, hija de Guillermo Valentiner, Director del Instituto de Artes de Detroit y el mayor experto en Rembrandt en los EE.UU. Brigitta lo persiguió sin descanso, y él y Brigitta se casaron el 10 de mayo 1943.

San Lorenzo Church - Friuli, Italy

Mientras que en Cranbrook, Harry Bertoia envió 100 impresiones para la Solomon R. Guggenheim Museum de pinturas fuera del objetivo para la evaluación. Para su asombro, Hilla Rebay, el director de adquisiciones, guardaba todas 100 impresiones. Ella compró para ella y algunos para el museo. En 1943, 19 de esos grabados fueron exhibidos por la Fundación Solomon Guggenheim. Harry tenía la mayoría de las obras de un solo artista en ese programa, que incluía obras de Moholy-Nagy, Werner Drewes y Charles Smith. Con el apoyo de una beca de Karl Nierendorf de Nierendorf Gallery de Nueva York, Harry siguió celebrando exposiciones de joyería y dibujos. Harry diseñado dos juegos de té elegantes; uno para Eliel Saarinen, que se encuentra en la colección permanente Cranbrook y la segunda en el Instituto de Arte de Detroit.

California 1943-1950
En 1943, Bertoia amablemente dejó Cranbrook a unirse a Charles Eames en California para perseguir el trabajo experimental en curso sobre contrachapado moldeado. El trabajo de madera contrachapada se deriva de una continuación de la Eames / Saarinen Cranbrook diseño de la silla que ganó el Museum of Modern Art competencia muebles. La galardonada silla no podía con éxito producido en masa, por lo que la misión era encontrar una manera en la que hacerlo. Además, contribuyó al esfuerzo de guerra haciendo piezas de aviones fabricados por Evans Products Co, donde Eames fue director de Resarch & Desarrollo. Innovadoras soluciones de silla de Harry hicieron posible la producción y fueron adoptados por Eames sin crédito atribuido a Bertoia. En la frustración, Bertoia siguió adelante.

Pasó dos años en San Diego, en Point Loma Naval Laboratorio Eléctrica, donde trabajó en un proyecto que involucra la ingeniería humana (ergonomía, aunque la palabra todavía no se había inventado) y la fotografía estroboscópica diseñada para evaluar el equipo. Aquí es donde él comenzó a hacer esculturas de metal después de hora, sin dejar de crear los dibujos monoprint. En 1945, Harry celebró un espectáculo de sus monotipos en el Museo de San Francisco de Arte. Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1946. Su hija Lesta e hijo Val nacieron en California.

Los primeros años en Pennsylvania 1950-1960


"Físicamente, era fornido y corpulento, capaz de hazañas de fuerza. Sin embargo, era de voz suave, lento para la ira y suave en sus acciones ".
- Junio ​​Kompass Nelson


Cuadro de la familia Bertoia

En 1950, por invitación de Hans y Florence Knoll de Knoll, Inc. empresa de diseño de muebles, Harry se movió hasta el este de Pennsylvania con su creciente familia. Los Knolls había visto su trabajo en Cranbrook y sospechó que tenía más ideas dentro. Le ofrecieron rienda suelta a diseñar lo que quería - muebles o escultura - con el crédito y el reconocimiento completo de su trabajo, que era su política con todos los diseñadores. La serie de la silla Bertoia Diamond fue introducido en 1952 por Knoll. Bertoia también diseñó todas las plantillas para la producción de los artículos. Harry se estableció en Bally en un antiguo edificio de garaje con fugas. La silla se convirtió en parte de la "moderna" muebles de movimiento de la década de 1950. En el lapso de un par de años, Bertoia completó varios diseños de sillas para Knoll. Lo compensados ​​con creces por su trabajo popular, permitiendo Bertoia para comprar la casa de campo que había estado alquilando, así como su tienda en Bally. Hija Celia nació en Pennsylvania. La casa de piedra rural de 1800 y la tienda se encuentran todavía en la familia.


MIT Escultura

La primera comisión de la escultura arquitectónica que Harry se ganó fue en 1953 por el Centro Técnico de General Motors, gracias al diseñador y Cranbrook pal Eero Saarinen. También encargado por Eero Saarinen fue el retablo en el Instituto de Tecnología de Massachusetts Capilla, creada en 1955. Esta es una de las esculturas más llamativas de Harry Bertoia. Se marca el comienzo de la era moderna de la escultura espacial, liberado de una base.

En 1957, Harry recibió una beca de la Fundación Graham de Chicago, le ofrezcan la oportunidad de regresar a Italia por primera vez desde 1930. Visitó familiares y la mayoría de los grandes museos italianos, deleitándose en los viajes. Nunca logró regresar a Italia de nuevo, a pesar de que deseaba fervientemente que lo haga. Durante este período, comenzó a ganar premios, que continuaría durante el resto de su vida. La primera exposición europea de su obra escultórica fue en los EE.UU. Pabellón de la Feria Mundial de Bruselas 1958.
  
1959 trajo la primera de las muchas demostraciones escultóricas a la Galería Staempfli, Nueva York. Llevaron a cabo una muestra retrospectiva en 1981. Cada exposición se jactó hermosos catálogos a todo color.

Los dibujos o monográficos, fueron parte del proceso creativo de Harry durante toda su carrera. Muchos de ellos muestran claramente su planificación y la experimentación de ideas para esculturas. Le gustaba la forma en que el medio de forma libre de la tinta y el papel le permitió poner sus ideas en papel de forma rápida y espontáneamente. Junio ​​Kompass Nelson fue autor de un libro informativo y bien ilustrado en los monotipos titulada Harry Bertoia, grabador, en 1988.

Tonales y Sonambient 1960-1969
En 1960, Harry Bertoia comenzó la exploración de esculturas tonales. El "tonal", o sonar la escultura, es el arte que se asocia más con Harry Bertoia. Sus tamaños varían desde unas pocas pulgadas todo el camino hasta más de 20 pies. Muchos metales se utilizaron para las varillas, el cobre berilio ser más común conocida por su amplia gama de variaciones de color. Algunas barras se tapan con cilindros o gotas de metal, que, por su peso, acentúan el vaivén de las barras tonales. Harry y Oreste (su hermano) nos encantó la música y pasaron interminables horas felices experimentación y la búsqueda de nuevos sonidos para incorporar en Sonambient, el entorno auditivo y visual creado por los tonales.


Historia del granero

Harry estableció su granero remodelado en 1968-1969 para mantener su colección especial de más de 100 esculturas tonales y actuar como un estudio de grabación de sonido. Dio pequeños conciertos a los visitantes y amigos. Bertoia grabó 11 álbumes de los sonidos inquietantes de la escultura conocida como Sonambient durante su vida. Los álbumes originales están ahora disponibles en CD. Tres documentales principales que ofrecen el granero y otras piezas fueron liberados sobre Bertoia, uno de los cuales fue hecho por Clifford West, un colega de Cranbrook. El Granero Sonambient se ha mantenido como lo dejó el día de hoy.

Un espolón de la experimentación tonal era la forma de diente de león, que se parecía a una flor de diente de león ido a la semilla. El edificio de 1964 Mundial de Nueva York Feria Kodak muestra siete dientes de león de oro chapado en torno a una fuente de pulverización. Cientos de varillas delgadas cuidadosamente soldadas alrededor de una esfera central se convirtió en un espectáculo de maravilla brillante. Estos crearon un gran revuelo y siguen siendo muy populares, ir a buscar los precios más altos de todas las esculturas Bertoia.

De 1953 a 1978 Harry Bertoia elaborado numerosos grandes comisiones esculturales. Harry Bertoia hace más de 50 esculturas públicas de todo tipo, que se exhiben en ciudades de Estados Unidos, así como en el extranjero. Harry Bertoia fue contratado y admirado por los grandes arquitectos de la época, entre ellos Eero Saarinen, Henry Dreyfuss, Roche y Dinkeloo, Minoru Yamasaki, y Edward Durell Stone & IM Pei.


Diente de león Escultura

Los últimos años, 1970-1978
En 1971, Muhlenberg Colegio de Allentown, Pensilvania, rindió homenaje a Harry con un grado de Doctor Honoris Causa en Bellas Artes. El Museo de Arte de Allentown, cerca de su casa, ha mostrado su respeto de la obra de Bertoia con varias exposiciones, tanto durante su vida y desde entonces. Bertoia ha sido honrado por admiradores locales cerca de su residencia en Pennsylvania, así como coleccionistas de todo el mundo. Bertoia fue seleccionado para hacer la pieza conmemorativa para el equipo de fútbol de la Universidad de Marshall en Huntington, Virginia Occidental, en 1972. La película de 2006, We Are Marshall, describe el trágico accidente aéreo. La escultura de 6,500 libras 13 'conmemora los 75 vidas tomadas.

Dos grandes exposiciones fueron bien recibidas en Oslo, Noruega, pero un trágico incendio destruyó varias esculturas grandes, así como numerosos monotipos. Bertoia estaba profundamente entristecido por la pérdida, sobre todo de los monotipos. Un espectáculo exitoso en Caracas, Venezuela recibió críticas muy favorables.

Bertoia Gong






Aprendizaje del diagnóstico sombrío de cáncer causado Bertoia trabajar furiosamente en la organización de sus monotipos, perfeccionando la colección granero tonal, y poniendo el trabajo de su vida en orden. Se había producido más de 50.000 obras de arte durante su corta vida. Su trabajo había consumido la mayor parte de su tiempo, gran parte de su pasión, y en última instancia, toda su energía. Humos tóxicos de los materiales con los que trabajó, como el cobre-berilio que tanto amaba, contribuyeron a que el cáncer de pulmón. Sin embargo, su muerte fue pacífica, se sentía completa, y él aceptó la muerte como simplemente una parte más elegante de la vida. Harry Bertoia murió a los 63 años el 6 de noviembre de 1978. Después de su muerte, su esposa Brigitta, su hijo Val, y su hija Lesta continuaron la tradición de conciertos granero musical iniciado por Harry. Su esposa murió en 2007 Brigitta poco después de su 87 cumpleaños. Sus hijos Val y Lesta son artistas por derecho propio, mientras que la hija Celia se ha hecho cargo el manejo de sus monotipos. Lesta pinta retratos intuitivos y paisajes espirituales de ensueño. El estudio en Bally, PA, todavía se utiliza hoy por Val Bertoia, su hijo, que es un escultor e inventor. Bertoia está enterrado detrás del granero Sonambient bajo un enorme 1 tonelada Bertoia gong.

"El hombre no es importante. La humanidad es lo que cuenta, a la que, siento, he dado mi contribución. La humanidad continuará sin mí, pero yo no me voy. Yo no me voy contigo. Cada vez que vea algunas copas de los árboles que se mueven con el viento, se pensará en mí. O podrás ver algunas flores hermosas; usted pensará de mí. Nunca he sido un hombre muy religioso, no de la manera formal, pero cada vez que me di un paseo por el bosque, sentí la presencia de una fuerza superior a mi alrededor. "
- Harry Bertoia 9 de octubre de 1978 (murió menos de un mes más tarde).

Harry Bertoia

Exposición sobre Harry Bertoia en ARIETO, Italia, de donde procede, la familia Bertoia y alli nacio en 1915,el Diseñador Harry Bertoia. Desde el 11 de Julio de 2014

Aqui les presentamos, tres de los  diseños más populares de Bertoia

La escuela de la Bauhaus

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de Diseño, Arte y Arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en Alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la idea socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: "desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo" (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

Sinedo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

"La Escuela Bauhaus" se asentó en tres ciudades:
. 1919-1925: Weimar
. 1925-1932: Dessau
. 1932-1934: Berlín
Estuvo manejada por tres directores:
. 1919-1927: Walter Gropius
. 1927-1930: Hannes Meyer
. 1930-1933: Ludwig Mies van der Rohe

Unos de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación. "La forma sigue a la función"

El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras.

La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la I Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. El quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el Museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predomnaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produció un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a dudas fue uno de los más importantes en este sector.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, el militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de la izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser sumamente subversiva.

En el momento de su fundación los objetos de la escuela, definidos por Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

En ésta fase se implantó en la escuela el llamado "vorkurs" o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos s hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.

El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro Stuttgart.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.

En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto par esculpirla en la tela con rasgos abstractos.

Klee se retiró en el año 1931.

Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños, por lo tanto, también de educadores del diseño.

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.

A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.

De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe "Vías del estudio de la naturaleza" (Wege des Naturstudiums, 1923) y "Cuadernos de bocetos pedagógicos" (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación de Arte de Jena la conferencia El Arte Moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica "Punto y línea sobre el plano" (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el nº 9 de la serie de la Bauhaus.

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.

En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximádamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada I Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas "oficiales", cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954-1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

Desings for Living

Así es como tituló en Julio de 1961 la revista Playboy al artículo en el que aparecen los seis diseñadores de muebles más influyentes del sigo XX. Posando totalmente vestidos formalmente sobre sus diseños, están de izquierda a derecha: George Nelson, Edward Wormley, Eero Saarinen, Harry Bertoia, Charles Eames y Jens Risom.

george-nelson-edward-wormley-eero-saarinen-harry-bertoia-charles-eames-and-jens-risom-playboy-magazine-july-1961

Lo más sorprendente de esta imagen es que aunque es mas propia de un catálogo de fabricante como Herman Miller o Knoll, o de una revista como Home and Garden, quien realmente publica esta imagen es la revista Playboy, que aunque parezca mentira, en sus inicios, fue una revista de interiores dirigida a hombres donde incluía mujeres desnudas para atraer al público masculino.

El artículo en el que aparece dicha imagen es una disertación sobre el como y por qué  de sus diseños en general y la evolución del mobiliario en el siglo XX. Finalizando con un breve resumen de cada uno de ellos a nivel profesional.

Playboy 1

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Playboy urban living 2

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"Si miras estas sillas, parecen hechas de aire, como una escultura”  Harry Bertoia.

1. Bertoria en Pinceladas de Inspiracion

Bertoia Side Chair es una creación de Harry Bertoia en 1952 que se ha convertido en uno de los iconos del siglo XX.

Su estructura reticular está formada por varillas de acero soldadas con acabado cromo pulido o mate,  o bien pintadas en diferentes colores. Existen cojines para asiento y respaldo.

Tambien está disponible enteramente tapizada en una amplia variedad de telas o en Pieles

2. Bertoria en Pinceladas de Inspiracion

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Un diseño bello, sencillo, funcional y muy ligero, que esconde una silla fuerte y duradera.

¿Cómo y con qué combinarla?

4. Bertoria en Pinceladas de Inspiracion

6. Bertoria en Pinceladas de Inspiracion

La familia se realiza a su vez en versiones banco, taburete y butacas pero de éstas últimas la más famosa es la Diamond.

5. Bertoria en Pinceladas de Inspiracion

La escuela de la Bauhaus

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de Diseño, Arte y Arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en Alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la idea socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: "desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo" (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

Sinedo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

"La Escuela Bauhaus" se asentó en tres ciudades:

. 1919-1925: Weimar

. 1925-1932: Dessau

. 1932-1934: Berlín

Estuvo manejada por tres directores:

. 1919-1927: Walter Gropius

. 1927-1930: Hannes Meyer

. 1930-1933: Ludwig Mies van der Rohe

Unos de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación. "La forma sigue a la función"

El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras.

La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la I Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. El quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el Museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predomnaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produció un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a dudas fue uno de los más importantes en este sector.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, el militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de la izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser sumamente subversiva.

En el momento de su fundación los objetos de la escuela, definidos por Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

En ésta fase se implantó en la escuela el llamado "vorkurs" o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos s hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.

El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro Stuttgart.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.

En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto par esculpirla en la tela con rasgos abstractos.

Klee se retiró en el año 1931.

Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños, por lo tanto, también de educadores del diseño.

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.

A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.

De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe "Vías del estudio de la naturaleza" (Wege des Naturstudiums, 1923) y "Cuadernos de bocetos pedagógicos" (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación de Arte de Jena la conferencia El Arte Moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica "Punto y línea sobre el plano" (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el nº 9 de la serie de la Bauhaus.

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.

En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximádamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada I Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas "oficiales", cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954-1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

Procesos de Fabricación en Lacontinental

Ebanistería

Algunas Vistas de nuestro Taller de Ebanisteria.

 

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Zona de restauración de Muebles Antigüos         

   

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Soy Juan López Giraldo, propietario de ANTIGÜEDADES LA CONTINENTAL hace más de 50 años,comence a comprar muebles, del siglo XIX,ingleses estilo Victoriano,franceses Art-Decô, y de diseños de La Escuela Bauhaus y Diseñadores Nordicos.

En todos estos años, por mi trabajo, viajé por toda Europa, EE.UU., Centro y Sudamérica, y seguí comprando cuadros, oleos, acuarelas y Obra Gráfica, de la que tengo una mediana colección, asi como piezas de las que podriamos llamar de "Almoneda". En los últimos 15 años, me he dedicado a las antigüedades,restauración y a fabricar Replicas de los diseños de la Bauhaus, como única ocupación.

Tube la suerte de contactar con un restaurador de los de verdad, lastima que era una persona muy mayor y desgraciadamente ya no esta entre nosotros, que me enseñó a valorar y a realizar buenas restauraciones. He tenido tienda en las Galerías Piquer del Rastro madrileño y en la actualidad, en la calle Garcia de paredes,nº 49,de Madrid. Tengo un taller de aproximadamente 400 m2,en la zona de Navalcarnero, con muebles de varias épocas y estilos, pinturas, obra gráfica, cajas, relojes, lámparas y otras cosas curiosas.

Ahora me dedico a pintar al óleo, acuarelas y a hacer grabados y por supuesto, a restaurar todo lo que compro, con un magnifico grupo de Artesanos, formando según creo, un muy buen equipo. Y otro,creo que de mis exitos, es haber logrado formar "un pull", práticamente una cooperativa de Talleres Artesanos, de Metalisteria, Tratamientos Galvanicos, Taller de fabricación de Fibra de Vidrio, Taller de encurtido de pieles, este en la zona de Ubrique, Taller de guarnecido de Pieles, cuya principal dedicación, aparte de guarnecer nuestro muebles, es la fabricación de sillas y arneses de Equitación, con la calidad que estos productos necesitan y unos magnificos Talleres de Tapicerias Textiles, tanto para la Restauración como para tapizar los muebles "réplicas",que fabricamos.

A continuación os presento algunas de las cosas que tengo a la venta. No dudéis en consultarme. Los precios creo que son adecuados  para una muy alta calidad y todo está restaurado y listo para que compréis y disfrutéis de estas pequeñas obras de arte como yo cuando las compré.

 

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Metalisteria:Fabricado a mano en España: El proceso de fabricación

En España tenemos una gran tradicion, en Arquitectura, arte, diseño y artesanía. Hoy en día, las marcas y diseños españoles estan muy presentes en los mercados de la moda y el mobiliario. !!!Si algo tiene calidad y diseño es probable que esté fabricado en España.!!! Y así ocurre con nuestros productos. Nuestros muebles, de tubos de Acero son fabricados en talleres de pequeños negocios familiares españoles, en los alrededores de Madrid, a escepción del de Encurtidos de Pieles, que esta en Ubrique, en Andalucia,España con la excelente y merecida fama, de "hacer las cosas" como siempre.

La mayoría de nuestros productos son de acero, una gran parte de la producción consiste en corte, curvado en frio y electrosoldadura.
lacontinental.es/img/cms/Varios/barcelona-hand-grind.jpg/lacontinental.es/img/cms/Varios/brushing (1)Curvadora tubos
Tubos de aceroSoldadura de estructura LC4lacontinental.es/img/cms/Varios/lc4-repaso-estructura.
  • Pulido de estructura LC4
Limpieza baño ácidolacontinental.es/img/cms/Varios/barcelona-chrome-plating_

Las estructuras de acero, una ves rebarbadas y pulidas, son enviadas a la planta de tratamientos Galvanicos, donde primero se vuelven a pulir y luego se empieza el proceso de Galvanizado, con una capa de cobre, para aumentar la dureza y que los siguientes procesos sean de mejor resultado, despues el baño de Niquel y el baño final de Cromo de 35 micras de espesor. El cromado le da un aspecto impecable y reluciente al metal, que mantendrá durante muchísimos años. 

El paso final consiste en cortar, coser y montar los cojines y rellenos de los asientos, y tras una estricta selección de la mejor piel y cuero, montar cuidadosamente los muebles para, finalmente, embalarlos para su envío.

La serie de muebles LC2 de Le Corbusier destaca  por el contraste entre las líneas rectangulares de su estructura y la suave integración de sus cojines. Para conseguirlo, en La Continental ofrecemos estos sillones con cojines acolchados de un material compuesto de espuma en párticulas. El cojín del asiento del LC2 está provisto además de un relleno al 50%,de espuma de Dracón y Plumón de Eider

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La maravilla del diseño de los LC2 de Le Corbusier está precisamente en el extremo contraste,

entre las  lineas rectas de  su estructura exterior y la suavidad con la que se integran los cojines

del sillón. En los primeros ejemplarese del LC2, el relleno de los cojines se hacía con crin de caballo

y plumón Eider, en Lacontinental lo seguimos haciendo casí,casi igual.

La estructura del sillón LC2  es de tubo de acero de 25 mm de diámetro.Todas las soldaduras

hansido cuidadosamente lijadas y pulidas a mano. A continuación, el acero pasa por un proceso

de tratamiento galvanico,primero un baño de cobre, despues de niquel y finalmente un baño de

cromo,consiguiendose un recubrimiento de 35 micras.

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Varios componentes cuidadosamente escogidos forman el relleno de los asientos, y de

los otroscomponentes del sillón para lograr máximo confort y suavidad en este gran mueble

de diseño de Le Corbusier.Más abajo les ofrecemos un diagrama de los Cojines y del proceso

de fabricación de la estructura de Acero.

!!¡Qué mal ejemplar!!! Una copia barata de la butaca LC2,posiblemente 

de algún fabricante de Oriente!!!

A primera vista, se ve que los cojines están simplemente llenos de bloques de espuma

y las curvas del acero son demasiado cuadradas.

!!¡Este sillón no esta a la altura del diseño de Le Corbusier!!!!.

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En Lacontinental, cuidamos al máximo la fabricación de este sillón LC2, en cada una de las fases,

la Metalurgia y Tratamientos Galvanicos y finalmente en el Taller de Encurtidos y Tapiceria de Piel.

Creemos que el resultado, está a la altura del Diseño de Le Corbusier.

En este detalle podemos apreciar la perfección,con la qué trabajan los Artesanos de la

Planta de Ubrique,tanto la Curtimbre, como el Tapizado de este sillón LC2,creemos que

es casi, casi, perfecta.

Algunos de los detalles de la Fabricación de la estructura del Sillón LC-2  y LC-3 de Le Corbusier

Armazones de acero cromado

Muy pocos de los Clásicos Modernos se concibieron para ser producidos en serie. El artesano y la tecnología moderna deben trabajar mano a mano para lograr unos muebles Bauhaus perfectos según el estándar actual, respetando en todo momento los patrones de los diseños originales. Un buen ejemplo para ilustrar este punto son los armazones de los sillones y sofás LC2 y LC3 de Le Corbusier

LC2 Estructura

Armazón del sillón LC2 y LC3

Un armazón perfecto para el sillón LC2 y LC3 de Le Corbusier no puede conseguirse doblando simplemente los tubos. Los codos de este modelo son de ángulo muy cerrado. Los tubos se romperían al curvarlos.

Tubo curvado

Tubo curvado, vista de detalle

Los tubos se curvan parcialmente -en frío - con la ayuda de una máquina pneumática y se cortan a inglete.

soldadura de los tubos

La soldadura de los tubos

Los tubos se sueldan con precisión fijando el conjunto en un banco de trabajo para conseguir los ángulos apropiados.

relleno de las uniones

Relleno de las uniones

Los espacios de intersección se rellenan con una pasta metálica especial para soldadura..

soldado armazon sillon lc2-lc3

Armazón de un sillón LC2 y LC3

Las uniones de los tubos se pulen minuciosamente a mano antes de sumergir las piezas en 3 baños de galvanizado distintos (cobre, niquel y cromo).

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Detalle de las curvas

El resultado es una capa de cromado perfecta, de 35 micras de grosor..

pulido estructura lc2

Pulido

Pulimentar los tubos es un paso previo al cromado propiamente dicho, paso fundamental y decisivo ya que determina la dureza y resistencia del acabado.

Tiempo de pulido

Tiempo dedicado al pulimentado

Los trabajadores cualificados de Lacontinental son alentados a invertir una gran parte de su jornada laboral en el esmerilado de los tubos. Así prevenimos que la capa de cromo se levante y se desconche con el tiempo.

Guarnecido de Pieles:

El primer punto importante,el Curtido de las mejores piezas de Vacuno Español, en la Planta de Ubrique, con una tradicón centenaria del buen hacer.

El cuero:Bovino de origen Español

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El procesamiento del cuero

 
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La superficie de estos cueros, al estar libre de cicatrices y rasguños, nos permite elaborar unas pieles de textura bellísima y natural, sin tener que recurrir a métodos correctivos como el gofrado artificial.

En El taller colaborador de Lacontinental en Ubrique, España, el primer paso en la elaboración del cuero es el salado de las pieles.

Empleamos un método tradicional utilizado desde hace siglos y que aún hoy en día sigue vigente, para preservar los cueros de la putrefacción.

El curtido

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En El taller colaborador de Lacontinental en Ubrique, España. 

Las pieles se curten con tiempo y sin usar disolventes agresivos, para obtener una Piel suave, natural, longeva y resistente

 

Proceso de tintura

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A continuación, las pieles se someten a un proceso de tintura llamado ‘de tambor’, para garantizar que el colorante penetre profundamente en el cuero, impregnándolo por entero.


Así conseguimos que el tono deseado se conserve inalterado durante años.

El proceso del tapizado

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Cuando la aguja penetra en un cuero que sólo está tintado superficialmente, aparecen unas partículas claras alrededor de la puntada. 
Ello es debido a que la aguja, al salir hacia arriba, arrastra una parte de las capas inferiores no teñidas.

Una costurera nuestra trabajando.Nuestras costureras conocen bien su oficio: la mayoría tienen unos 30 años de experiencia. Su maestría se nota sobre todo en cómo cosen las esquinas de los cojines para la silla Barcelona.

Remate de esquina, vista de detalle, de un asiento de la Silla Barcelona de Mies, aqui se aprecia el "oficio" de nuestras costureras, del Taller de Ubrique

Las Pieles Anilinas de 1ª Calidad

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Una muestra de la gran calidad de las pieles Anilinas de Lacontinental.es

Muestrario de colores de las pieles Anilinas de Lacontinental.es

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Piel Anilina de 1ª calidad en color Blanco

Piel Anilina de 1ª calidad en color cuero-tabaco

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Piel Anilina de 1ª calidad en color Negro

Piel Anilina de 1ª calidad en color rojo Cartier

Proceso de curtido de pieles

El paso final consiste en cortar, coser y montar los cojines y rellenos de los asientos, y tras una estricta selección de la mejor piel y cuero, montar cuidadosamente los muebles para, finalmente, embalarlos para su envío.El Taller de Guarnecido de pieles, donde realizamos el guarnecido de nuestros muebles, tiene como principal dedicación, la fabricación de sillas de montar y todo tipo de guarnecidos para el deporte de Equitación, cumpliendo con las exigencias de la calidad que demandan este tipo de productos.

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Las piezas para el sillón RM-90 se cortan a mano, y hasta los botones se recubren de piel a mano, de en uno en uno.

Aqui se puede apreciar la perfecta realización del cojín/colchoneta que fabricamos en Lacontinental, como se aprecia en la foto La Piel Anilina de 1ª calidad, casi, casi se puede oler y el relleno de Plancha conformada y bolutas de Dracón, hacen el resto.

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La Piel, un producto natural.

La lucha por conseguir precios competitivos ha generado a una enorme creatividad en la invención de diferentes calidades de piel y mucha confusión por parte del cliente.

Al final todo se reduce a lo mismo: Sólo una relativa pequeña parte de piel bovina puede ser utilizada para el procesamiento de muebles de cuero natural.

El gráfico muestra las diferentes partes de una piel de vacuno, donde sólo el pedacito llamado grupón (del francés "croupon" ) es lo suficientemente bueno. El cuello y los hombros tienen fuertes arrugas horizontales y las partes del vientre son demasiado estrechas.

Por otra parte, sólo el grupón de pieles de vacuno europeo es lo suficientemente alto como para permitir cortar las piezas grandes, como el colchón de la Chaiselongue LC4.
El bovino de América del Sur, además de ser mucho más pequeño, muestra también muchas cicatrices de picaduras de insectos y cercas siendo ello un inconveniente para los cueros de alta calidad

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Anilina

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Piel Anilina:

Durante el proceso de curtido, las pieles están divididas horizontalmente, dejando dos mitades, la superior con el grano natural o GRANO SUPERIOR y la inferior llamada CUERO PARTIDO.

Las pieles de alta calidad se hacen de GRANO SUPERIOR y mostrando la textura de crecimiento natural de la piel, incluyendo las diversas pequeñas imperfecciones naturales del grano. Tienen un tacto suave y un brillo opaco. Este tipo de pieles son las comúnmente llamadas: PIEL ANILINA. Su tratamiento es complicado y delicado por lo que su coste mas elevado.

Anilina de 1ª Calidad

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Vista al microcopio de la Piel Anilina

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Semi Anilina

De estos mismos cueros de GRANO SUPERIOR se producen también las pieles llamadas de SEMI ANILINA, la diferencia entre ambas es que éstas están suavemente pulidas y reciben un ligero tratamiento químico en la superficie de la piel. Siguen siendo pieles de alta calidad, su tacto es algo menos suave y algo mas brillante. La semi anilina, es un buen compromiso entre precio y calidad. 

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Cuero partido:

Calidades inferiores suelen hacerse con la parte de las piezas inferiores o cuero partido. Su superficie es totalmente artificial y su tacto duro. Por otra parte, son muy robustos, no susceptibles a las manchas, más resistente al uso y al desgaste ocasionado por la luz solar directa. Es el tipo de cuero que se utiliza para las tapicerías de los coches.

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Todas nuestras pieles se curten en España, cumpliendo con las normativas y reglamentos de la Unión Europea. No tienen nada en común con los que!!!nuestros competidores chinos, y otros fabricantes de Oriente están vendiendo como ¡¡ITALIAN LEATHERS!! se trata de cuero partido, de muy poco grosor y con un fuerte olor acre. 

      

Costura manualRepujado de cuero
Taller de Marroquinera en UbriqueCosido de pieles

      

guarnicioneria manual

       

guarnicioneria
almacen sillas de montarsilla de montar campera

    



Tapicerias Textiles:

El Taller de Tapizados Textiles:

Autenticos Artesanos de tapizado de todo tipo de muebles,acostumbrados a retapizar muebles antiguos, y por lo tanto cuando tienen que tapizar alguno de nuestros muebles, para ellos es un autentico placer, pues hacer un trabajo empezando de cero,les es muy estimulante.

   

El SARC de la Diputación de Valencia lleva un taller de restauración y tapicería a Algimia de Alfara

  

Los materiales son importantes

Acero cromado


 

Los diseñadores modernistas eligieron un tubo de acero de una pulgada de diametro y conformado en frío, porque era un material, que en los años veinte del siglo pasado, se encontraba facilmente y con un precio asequible, desde que en 1920, la metalurgica Mannesman, consiguió fábricar tubos por extrusión en frio y sin soldadura, con los que se podián curvar. El único inconveniente es que el cromo/niquelado es un proceso bastante costoso. Una planta de tratamientos galvanicos que se precie, necesita de cuatro pasos imprescindibles para un buen cromado.Primeramente un baño de  agua caliente acidulada de limpieza,un primer baño decobre mate,seguidamente un  níquelado  brillante plateado y por último un cromado, consiguiendose un espesor de 30 micras.

Las reproducciones baratas están fabricadas en acero inoxidable, de muy dudosa calidad. Hay unos puntos a considerar:

El acero se paga al peso y el acero inoxidable de muy alta calidad es caro. Esta es la razón por la que se utilizan tubos de calibre delgado. Los muebles son entonces mucho más ligeros, pero con el tiempo, acaban deformandose ó saliendole manchas y en un tiempo no demasiado largo, se corroen. doblándose.

Hay diferentes grados de acero inoxidable. Los de grado alto son muy caros y los más bajos se manchan y corroen y son de muy poca tenacidad, por lo qué en poco tiempo acaban deformandose.
Debido al calibre  los tubos salen, a veces irregulares del calibrado  desiguales a la vista y a menudo se deforman en el proceso de curvado.

Hasta el momento no hay nada mejor que nuestro ya clásico acero cromo/niquelado cuando se trata de la durabilidad y acabado,acero de 1 Pulgada de diametro, y paredes especiales, más gruesas. Para lograr los mismos ó similares resultados usando acero inoxidable, mediante un muy buen  procesamiento, su coste sería mucho más elevado.

La Piel, un producto natural.

La lucha por conseguir precios competitivos ha generado a una enorme creatividad en la invención de diferentes calidades de piel y mucha confusión por parte del cliente.

Al final todo se reduce a lo mismo: Sólo una relativa pequeña parte de piel bovina puede ser utilizada para el procesamiento de muebles de cuero natural.

El gráfico muestra las diferentes partes de una piel de vacuno, donde sólo el pedacito llamado grupón (del francés "croupon" ) es lo suficientemente bueno. El cuello y los hombros tienen fuertes arrugas horizontales y las partes del vientre son demasiado estrechas.

Por otra parte, sólo el grupón de pieles de vacuno europeo es lo suficientemente alto como para permitir cortar las piezas grandes, como el colchón de la Chaiselongue LC4.
El bovino de América del Sur, además de ser mucho más pequeño, muestra también muchas cicatrices de picaduras de insectos y cercas siendo ello un inconveniente para los cueros de alta calidad

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Anilina

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Piel Anilina:

Durante el proceso de curtido, las pieles están divididas horizontalmente, dejando dos mitades, la superior con el grano natural o GRANO SUPERIOR y la inferior llamada CUERO PARTIDO.

Las pieles de alta calidad se hacen de GRANO SUPERIOR y mostrando la textura de crecimiento natural de la piel, incluyendo las diversas pequeñas imperfecciones naturales del grano. Tienen un tacto suave y un brillo opaco. Este tipo de pieles son las comúnmente llamadas: PIEL ANILINA. Su tratamiento es complicado y delicado por lo que su coste mas elevado.

Anilina de 1ª Calidad

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Vista al microcopio de la Piel Anilina

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Semi Anilina

De estos mismos cueros de GRANO SUPERIOR se producen también las pieles llamadas de SEMI ANILINA, la diferencia entre ambas es que éstas están suavemente pulidas y reciben un ligero tratamiento químico en la superficie de la piel. Siguen siendo pieles de alta calidad, su tacto es algo menos suave y algo mas brillante. La semi anilina, es un buen compromiso entre precio y calidad. 

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Cuero partido:

Calidades inferiores suelen hacerse con la parte de las piezas inferiores o cuero partido. Su superficie es totalmente artificial y su tacto duro. Por otra parte, son muy robustos, no susceptibles a las manchas, más resistente al uso y al desgaste ocasionado por la luz solar directa. Es el tipo de cuero que se utiliza para las tapicerías de los coches.

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Todas nuestras pieles se curten en España, cumpliendo con las normativas y reglamentos de la Unión Europea. No tienen nada en común con los que!!!nuestros competidores chinos, y otros fabricantes de Oriente están vendiendo como ITALIAN LEATHERS!! se trata de cuero partido, de muy poco grosor y con un fuerte olor acre. 

Las Pieles Anilinas de 1ª Calida

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Blanco
 
Cuero
 
00_Negro
 
Rojo Cartier 

Los Tejidos

 

Algodon:Pana Lisa

Este tejido es similar al terciopelo, es una composición de Algodón/Lino denominado coloquialmente en España, "Pana" es de un tacto suave y agradable, y de gran duración por el tratamiento por calor al que es sometido, no forma "bolitas" con el uso.

 

Algodón:


El algodón de gran calidad y de gran peso (400gramos / metro cuadrado) mezcla de 63% algodón y 37% de lino con una estructura,de manufacturado muy marcada. Tiene una resistencia a la abrasión de 30.000 Martindale y sin tendencia a la formación de bolas durante el uso.


                                                


* ORIGINAL SIN ESTA LINEA * ---------------------